John Zorn/Masada - Teatro Coliseo, 15 de marzo de 2012

John Zorn es un versátil, prolífico, aventurado saxofonista y compositor, identificado con la escena de vanguardia de la ciudad de Nueva York desde los ochentas. Su obra está compuesta por más de cien grabaciones como líder, en su mayoría editadas por el sello de su creación de nombre Tzadik, e incluye una gran variedad estilística: avant-garde, hard rock, surf, música de cámara, bandas de sonido de películas, etc.
Masada, su proyecto principal entre una serie innumerable (vgr., Naked City, Bar Kohkba, Painkiller, The Dreamers), muestra distintas fisonomías: Electric Masada, Masada String Trio, Masada Guitars, Masada Sextet, etc. La formación original, conocida también como Acoustic Masada, emplea la estructura del clásico cuarteto del revolucionario saxofonista Ornette Coleman, para crear una singular amalgama de free jazz y klezmer (música folklórica de los judíos centroeuropeos), y se compone de John Zorn en saxo alto, Dave Douglas en trompeta, Greg Cohen en contrabajo y Joey Baron en batería.

Medianeras (2011), de Gustavo Taretto

La ciudad puede separar, desunir, más aún cuando crece en forma descontrolada, caótica e incontenible.
Los edificios que se construyen son cada vez de menor tamaño y contienen unidades más pequeñas, oscuras e inhabitables.
Del mismo modo que las viviendas pueden reflejar las diferencias sociales, las personas representarían las características de los espacios que habitan.
Martín (Javier Drolas) vive aislado producto de sus fobias.
Mariana (la española Pilar López de Ayala) no puede superar una separación.
Están solos, pero destinados a conocerse.
Más interesante la historia de Martín que la de Mariana, suma los momentos más logrados: aquellos en los que el debutante director Gustavo Taretto se decide por echar mano al humor; y los apuntes sobre la arquitectura de Buenos Aires, entre los que destaca la anécdota sobre la construcción del edificio Kavanagh.

Alamar (2009), de Pedro González-Rubio

De vez en cuando, el cine nos recuerda que existe un modo diferente de vivir. En tiempos en que la mayoría de la población habita en las grandes ciudades, la decisión de residir en un ambiente natural es toda una declaración de principios y una poderosa inspiración para quienes desean adoptar un forma de vida más saludable.
Alamar, a mitad de camino entre la ficción y el documental, lo que ya debe ser todo un género, cuenta una historia simple: una pareja con un hijo se separa y antes de ir a vivir con su madre a Roma, el niño pasa unos días con su padre en el Caribe mexicano.
La película destaca la importancia de recuperar los vínculos originarios con la naturaleza y los padres, al retratar la rica experiencia de los miembros de una familia pertenecientes a tres generaciones distintas, compartiendo cotidianamente el oficio de la pesca, revalorizando la transmisión de conocimientos de padres a hijos.
Todo en Alamar transmite naturalidad, colaborando a tal efecto la proximidad con el escenario lograda por el director Pedro González-Rubio y la tarea realizada por los actores no profesionales.

Drive (2011), de Nicolas Winding Refn

Una decisión más razonable de los productores de Drive hubiese sido hacer una película con una finalidad de entretenimiento, similar a The Transporter, protagonizada por la estrella de filmes de acción Jason Statham. En cambio, tuvieron la pretensión de rodar una seria, añadiendo un tono oscuro, propio del cine negro. Lamentablemente, olvidaron abastecerse de un guión sólido, de un director con ingenio y de un reparto adecuado.
Por el contrario, contrataron al director Nicolas Winding Refn, que demuestra carecer de ideas y para compensar recurre a todo tipo de referencias cinematográficas obvias.
A modo de ejemplo, Drive empieza con una persecución de coches copiada en plan tributo de The Driver (Walter Hill, 1978).
A su turno, es inevitable pensar en Bullitt (Peter Yates, 1968), una realización emblemática dentro de las películas de acción dominadas por tales escenas.
El guión es mínimo, casi inexistente: un conductor cuya ocupación principal consiste en garantizar la fuga en robos (también es doble de riesgo, solo para justificar el uso de un disfraz en una secuencia), conoce a una chica en el edificio donde vive y comienzan una relación que se interrumpe cuando el esposo sale de la cárcel. Con la finalidad de ayudarlo a saldar viejas cuentas, el conductor decide participar de un asalto.

Paolo Fresu Devil Quartet - Teatro 25 de Mayo, 5 de noviembre de 2011

El jazz italiano se caracteriza por la energía, el desenfado y el hecho de haber sido influido por la tradición norteamericana de forma más decidida en relación a otras plazas europeas.
El fliscornista y trompetista Paolo Fresu, uno de los genuinos intérpretes de la mencionada escena, se presentó por primera vez en Argentina como invitado en el Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires 2011 junto a su Devil Quartet, completado por Bebo Ferra (guitarra), Paolino Dalla Porta (contrabajo) y Stefano Bagnoli (batería).
Paolo Fresu tiene una técnica magnífica, que redunda en un tono admirablemente claro y limpio; a su vez, el grupo sonó muy ajustado, demostrando intensidad en las piezas rápidas, y sensibilidad y calidez en las lentas, siendo determinante el empleo de electrónicos por Fresu y Ferra.

Lenny Kravitz - G.E.B.A., 2 de octubre de 2011

En el marco del Personal Fest '11, se presentó Lenny Kravitz, en lo que significó mi regreso a los recitales de rock.
Debo admitir que tenía mis dudas con Lenny, debido no a sus indudables cualidades como performer, sino a la notoria falta de inspiración que afecta su carrera desde hace más de una década, la mitad de su trayectoria por cierto, aún cuando en su reciente álbum de nombre Black and White America, experimenta una mejoría.
Lo presenciado en la sede Jorge Newbery del Club Gimnasia y Esgrima de Buenos Aires, permitió advertir que se encuentra en muy buena forma, hecho que, sumado al impecable soporte de su grupo, fue resumido por el comentario de una señorita a su amiga: "La voz, todo, es como en el disco", y recompensado por la audiencia, que aportó calor a la inesperada fría noche de primavera.

Lenny Kravitz - Black and White America (Roadrunner Records, 2011)

La fórmula que Lenny Kravitz patentara a principios de los noventas con tres fantásticos primeros discos: Let Love Rule (1989), Mamma Said (1991) y Are You Gonna Go My Way? (1993), una notable relectura de los estilos musicales populares de raíces negras, predominantes durante los sesentas y setentas, hace rato que perdió eficacia.
A partir de 5 (1998), donde incurriera en vanos intentos por refrescar su propuesta, que todavía conservaba en Circus (1995) buena parte de sus méritos; incorporando de modo poco convincente loops y algunos sintetizadores analógicos, comenzó a dar signos de ostensible cansancio y a mostrarse deslucida, desteñida.
Los temas incluidos en sus álbumes editados en la primera década del siglo XXI son de factura pobre y los elogiables arreglos de antaño brillan por su ausencia.
Su nuevo álbum, Black and White America, más allá de nuevos empeños poco fructíferos e innecesarios de aggiornamento, expuesto con mayor claridad en Boongie Drop, donde participan los raperos Jay-Z y DJ Military, una canción cuya inclusión es un poco forzada; y que Rock Star City Life parece parodiar sus mayores éxitos; manifiesta una recuperación.

Nadie lo quiere creer (La patria de los espectros) - La Zaranda, Teatro Inestable de Andalucía la Baja, Teatro 25 de Mayo, 30 de septiembre de 2011

La compañia La Zaranda, Teatro Inestable de Andalucía la Baja, que según señala la prensa española acostumbra brindar más funciones en el exterior que en su tierra natal, presentó en el Teatro 25 de Mayo, ubicado en el barrio de Villa Urquiza, su nueva obra Nadie Lo quiere creer (La patria de los espectros), una consumada muestra de su singular visión de la dramaturgia, influida por el autor del Valle-Inclán, plena de grotesco, humor negro y sarcasmo, dando vida a personajes esperpénticos, a los que expone de forma cruda, pero también piadosa, dispuestos a rescatar la humanidad de los que se enfrentan, con las insuficientes armas de que disponen, al deterioro y la degradación.
En esta creación, la escenografía es despojada y se caracteriza por el inteligente uso de escasos objetos, entre los que destaca una sábana (!), que sirve para montar diversas escenas, tres ventiladores de pie, la estructura de madera de un reloj antiguo, que también hará las veces de ataúd, un pavo real embalsamado, cuatro sillas y un maniquí.

En un mundo mejor (In a Better World, 2010), de Susanne Bier

Elias (Markus Rygaard) es un joven alumno de carácter retraído de un colegio secundario en Dinamarca, que carga con el peso que significa el divorcio de los padres en trámite.
Cuando Christian (William Jøhnk Nielsen), recién llegado de Londres también con su "mochila" a cuestas, la muerte de su madre, comienza a asistir a clases, se establece un vínculo inmediato que se ve fortalecido en el momento que Chistian, en una explosión de ira, golpea a un compañero que maltrata a Elias.
La situación llega a conocimiento de las autoridades, que no parecen dispuestas a intervenir decididamente, mientras que la participación de los padres está limitada a enseñar a sus hijos que la violencia solo engendra violencia.
Anton (Mikael Persbrandt), padre de Elias, un médico director de un campamento de refugiados en África, tiene la oportunidad, frente a sus hijos y a Christian, de mostrar una conducta ejemplificadora en eso de no responder a la agresión de los demás, cuando otro adulto, padre de un niño que tiene un altercado con el hermano menor de Elias, le propina varias bofetadas en el rostro y lo insulta, en forma discriminatoria, en razón de ser sueco.

Tejido abierto. Tejido Beckett - Teatro Nacional Cervantes, 17 de septiembre de 2011

Las palabras y los objetos cobran vida en el teatro. Sobre el escenario, adquieren un poder, una magia, que no está presente en otras formas de expresión. Las vías de un tren, una escalera, una bicicleta, unas valijas viejas, un laúd que parece una de las extravagantes creaciones de Les Luthiers, el torso de un maniquí, son elementos que, al ser empleados por los actores, alcanzan múltiples y novedosos significados que, en el cine o la televisión son reemplazados por una costosa parafernalia, sin obtener tan valioso resultado.
La compañía española Tejido abierto, conducida por el dramaturgo argentino Jorge Eines, fue bautizada teniendo en mente el modo de concebir su arte: una elaboración compartida por director y comediantes que busca descubrir nuevas connotaciones hurgando en los componentes de una obra.
Tejido abierto. Tejido Beckett es un texto creado a partir de la combinación de los fundamentos de distintas piezas, incluso literarias (Molloy, Malone muere), del célebre escritor Samuel Beckett, con la intención de reconstruir su universo, incorporando en el final un imprevisto, alternativo, matiz optimista.