Alamar (2009), de Pedro González-Rubio

De vez en cuando, el cine nos recuerda que existe un modo diferente de vivir. En tiempos en que la mayoría de la población habita en las grandes ciudades, la decisión de residir en un ambiente natural es toda una declaración de principios y una poderosa inspiración para quienes desean adoptar un forma de vida más saludable.
Alamar, a mitad de camino entre la ficción y el documental, lo que ya debe ser todo un género, cuenta una historia simple: una pareja con un hijo se separa y antes de ir a vivir con su madre a Roma, el niño pasa unos días con su padre en el Caribe mexicano.
La película destaca la importancia de recuperar los vínculos originarios con la naturaleza y los padres, al retratar la rica experiencia de los miembros de una familia pertenecientes a tres generaciones distintas, compartiendo cotidianamente el oficio de la pesca, revalorizando la transmisión de conocimientos de padres a hijos.
Todo en Alamar transmite naturalidad, colaborando a tal efecto la proximidad con el escenario lograda por el director Pedro González-Rubio y la tarea realizada por los actores no profesionales.

Drive (2011), de Nicolas Winding Refn

Una decisión más razonable de los productores de Drive hubiese sido hacer una película con una finalidad de entretenimiento, similar a The Transporter, protagonizada por la estrella de filmes de acción Jason Statham. En cambio, tuvieron la pretensión de rodar una seria, añadiendo un tono oscuro, propio del cine negro. Lamentablemente, olvidaron abastecerse de un guión sólido, de un director con ingenio y de un reparto adecuado.
Por el contrario, contrataron al director Nicolas Winding Refn, que demuestra carecer de ideas y para compensar recurre a todo tipo de referencias cinematográficas obvias.
A modo de ejemplo, Drive empieza con una persecución de coches copiada en plan tributo de The Driver (Walter Hill, 1978).
A su turno, es inevitable pensar en Bullitt (Peter Yates, 1968), una realización emblemática dentro de las películas de acción dominadas por tales escenas.
El guión es mínimo, casi inexistente: un conductor cuya ocupación principal consiste en garantizar la fuga en robos (también es doble de riesgo, solo para justificar el uso de un disfraz en una secuencia), conoce a una chica en el edificio donde vive y comienzan una relación que se interrumpe cuando el esposo sale de la cárcel. Con la finalidad de ayudarlo a saldar viejas cuentas, el conductor decide participar de un asalto.

Paolo Fresu Devil Quartet - Teatro 25 de Mayo, 5 de noviembre de 2011

El jazz italiano se caracteriza por la energía, el desenfado y el hecho de haber sido influido por la tradición norteamericana de forma más decidida en relación a otras plazas europeas.
El fliscornista y trompetista Paolo Fresu, uno de los genuinos intérpretes de la mencionada escena, se presentó por primera vez en Argentina como invitado en el Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires 2011 junto a su Devil Quartet, completado por: Bebo Ferra (guitarra), Paolino Dalla Porta (contrabajo) y Stefano Bagnoli (batería).
Paolo Fresu tiene una técnica magnífica, que redunda en un tono admirablemente claro y limpio; a su vez, el grupo sonó muy ajustado, demostrando intensidad en las piezas rápidas, y sensibilidad y calidez en las lentas, siendo determinante el empleo de electrónicos por Fresu y Ferra.

Lenny Kravitz - G.E.B.A., 2 de octubre de 2011

En el marco del Personal Fest '11, se presentó Lenny Kravitz, en lo que significó mi regreso a los recitales de rock.
Debo admitir que tenía mis dudas con Lenny, debido no a sus indudables cualidades como performer, sino a la notoria falta de inspiración que afecta su carrera desde hace más de una década, la mitad de su trayectoria por cierto, aún cuando en su reciente álbum de nombre Black and White America, experimenta una mejoría.
Lo presenciado en la sede Jorge Newbery del Club Gimnasia y Esgrima de Buenos Aires, permitió advertir que se encuentra en muy buena forma, hecho que, sumado al impecable soporte de su grupo, fue resumido por el comentario de una señorita a su amiga: "La voz, todo, es como en el disco", y recompensado por la audiencia, que aportó calor a la inesperada fría noche de primavera.

Lenny Kravitz - Black and White America (Roadrunner Records, 2011)

La fórmula que Lenny Kravitz patentara a principios de los noventas con tres fantásticos primeros discos: Let Love Rule (1989), Mamma Said (1991) y Are You Gonna Go My Way? (1993), una notable relectura de los estilos musicales populares de raíces negras, predominantes durante los sesentas y setentas, hace rato que perdió eficacia.
A partir de 5 (1998), donde incurriera en vanos intentos por refrescar su propuesta, que todavía conservaba en Circus (1995) buena parte de sus méritos; incorporando de modo poco convincente loops y algunos sintetizadores analógicos, comenzó a dar signos de ostensible cansancio y a mostrarse deslucida, desteñida.
Los temas incluidos en sus álbumes editados en la primera década del siglo XXI son de factura pobre y los elogiables arreglos de antaño brillan por su ausencia.
Su nuevo álbum, Black and White America, más allá de nuevos empeños poco fructíferos e innecesarios de aggiornamento, expuesto con mayor claridad en Boongie Drop, donde participan los raperos Jay-Z y DJ Military, una canción cuya inclusión es un poco forzada; y que Rock Star City Life parece parodiar sus mayores éxitos; manifiesta una recuperación.

Nadie lo quiere creer (La patria de los espectros) - La Zaranda, Teatro Inestable de Andalucía la Baja, Teatro 25 de Mayo, 30 de septiembre de 2011

La compañia La Zaranda, Teatro Inestable de Andalucía la Baja, que según señala la prensa española acostumbra brindar más funciones en el exterior que en su tierra natal, presentó en el Teatro 25 de Mayo, ubicado en el barrio de Villa Urquiza, su nueva obra Nadie Lo quiere creer (La patria de los espectros), una consumada muestra de su singular visión de la dramaturgia, influida por el autor del Valle-Inclán, plena de grotesco, humor negro y sarcasmo, dando vida a personajes esperpénticos, a los que expone de forma cruda, pero también piadosa, dispuestos a rescatar la humanidad de los que se enfrentan, con las insuficientes armas de que disponen, al deterioro y la degradación.
En esta creación, la escenografía es despojada y se caracteriza por el inteligente uso de escasos objetos, entre los que destaca una sábana (!), que sirve para montar diversas escenas, tres ventiladores de pie, la estructura de madera de un reloj antiguo, que también hará las veces de ataúd, un pavo real embalsamado, cuatro sillas y un maniquí.

En un mundo mejor (In a Better World, 2010), de Susanne Bier

Elias (Markus Rygaard) es un joven alumno de carácter retraído de un colegio secundario en Dinamarca, que carga con el peso que significa el divorcio de los padres en trámite.
Cuando Christian (William Jøhnk Nielsen), recién llegado de Londres también con su "mochila" a cuestas, la muerte de su madre, comienza a asistir a clases, se establece un vínculo inmediato que se ve fortalecido en el momento que Chistian, en una explosión de ira, golpea a un compañero que maltrata a Elias.
La situación llega a conocimiento de las autoridades, que no parecen dispuestas a intervenir decididamente, mientras que la participación de los padres está limitada a enseñar a sus hijos que la violencia solo engendra violencia.
Anton (Mikael Persbrandt), padre de Elias, un médico director de un campamento de refugiados en África, tiene la oportunidad, frente a sus hijos y a Christian, de mostrar una conducta ejemplificadora en eso de no responder a la agresión de los demás, cuando otro adulto, padre de un niño que tiene un altercado con el hermano menor de Elias, le propina varias bofetadas en el rostro y lo insulta, en forma discriminatoria, en razón de ser sueco.

Tejido abierto. Tejido Beckett - Teatro Nacional Cervantes, 17 de septiembre de 2011

Las palabras y los objetos cobran vida en el teatro. Sobre el escenario, adquieren un poder, una magia, que no está presente en otras formas de expresión. Las vías de un tren, una escalera, una bicicleta, unas valijas viejas, un laúd que parece una de las extravagantes creaciones de Les Luthiers, el torso de un maniquí, son elementos que, al ser empleados por los actores, alcanzan múltiples y novedosos significados que, en el cine o la televisión son reemplazados por una costosa parafernalia, sin obtener tan valioso resultado.
La compañía española Tejido abierto, conducida por el dramaturgo argentino Jorge Eines, fue bautizada teniendo en mente el modo de concebir su arte: una elaboración compartida por director y comediantes que busca descubrir nuevas connotaciones hurgando en los componentes de una obra.
Tejido abierto. Tejido Beckett es un texto creado a partir de la combinación de los fundamentos de distintas piezas, incluso literarias (Molloy, Malone muere), del célebre escritor Samuel Beckett, con la intención de reconstruir su universo, incorporando en el final un imprevisto, alternativo, matiz optimista.

John Scofield Quartet - Teatro Gran Rex, 8 de septiembre de 2011

Concurrí a presenciar el concierto de John Scofield en el Teatro Gran Rex, sin muchas expectativas, en virtud de los siguientes antecedentes: mediato, su visita a nuestro país de enero de 2007 (regresó un año y medio después para brindar un recital al que no asistí), donde tocó un poco de todo sin lucir; e inmediato, su nuevo álbum A Moment's Peace, un tanto flojo en mi opinión, apreciación que encuentra asidero en el hecho que el guitarrista interpretó un solo tema perteneciente a ese disco en la función (Simply Put).
La referencia a tener en cuenta, en cambio, es un dvd publicado el año pasado con el título de New Morning, the Paris Concert, cuyo repertorio es similar al ofrecido en la velada del jueves por la noche.
Afortunadamente, mis dudas fueron disipadas por lo que, en definitiva, fue una actuación, también variada en términos de estilo, pero mucho más consistente que la entregada hace más de cuatro años.

John Scofield - A Moment's Peace (Emarcy, 2011)

A Moment's Peace, tal el nombre del último disco al día de hoy de John Scofield, contiene un conjunto de baladas clásicas y otras originales del guitarrista. Semejante selección tiene el significado de un llamado de atención, debido a que es la clase de repertorio que los intérpretes de jazz suelen llevar a un estudio cuando no saben qué grabar.
Tal presunción se confirma con su escucha, que permite apreciar, a pesar de la incuestionable destreza del guitarrista, una notoria falta de inspiración, un cierto agotamiento creativo, que tiene por consecuencia una ejecución en su instrumento que parece haber sido ganada por la rutina, dedicado a estirar cuerdas insistentemente, lo que se traduce en versiones deslucidas, opacas, de la canción pop I Will (Lennon/McCartney), las agridulces Lawns (Carla Bley), Throw It Away (Abbey Lincoln) y You Don't Know What Love Is (Gene De Paul/Don Raye), y el blues Gee Baby Ain't I Good To You (Don Redman/Andy Razaf), entre otras; mientras que tampoco son convincentes inéditos como la bossa-nova Simply Put y la canción folk Plain Song. Solo parece despertar un poco de su letargo en el medio tiempo de I Want To Talk About You (Billy Ekstine).

Blue Valentine: una historia de amor (2010), de Derek Cianfrance

Una historia de amor es el subtítulo añadido a Blue Valentine. En verdad, hubiese sido más preciso una historia de desamor.
La película muestra algo muchas visto en celuloide: la ruptura de una pareja utilizando el reconocido recurso de los flashbacks (ver la reseña a la reciente 500 días con ella).
El director Derek Cianfrance se propone exponer el deterioro de un matrimonio a partir de los detalles, los gestos, las palabras dichas de más, que demuestran la incomunicación, la inexistencia de un proyecto común, una situación donde uno está decidido a impulsar la relación mientras el otro solo puede expresar cansancio.
El filme se encarga de oponer las diferentes historias personales de cada uno en busca de una explicación al fracaso de la relación conyugal: Dean (Ryan Gosling), abandonado por la madre a temprana edad, tiene una necesidad de afecto desatendida y se siente realizado en la familia que forma con Cindy (Michelle Williams) y su pequeña hija Frankie (Faith Wladyka); por su parte, su esposa, hija de un padre psicológicamente abusivo, interrumpió la carrera de medicina debido al embarazo, y procura sentirse valorada y superarse a sí misma.

Chucho Valdés - Teatro Gran Rex, 16 de junio de 2011

Pianista de estilo exuberante, torrencial, Chucho Valdés consagró su carrera a mixturar los ritmos afro-cubanos, el jazz y la música clásica.
Su regreso a Buenos Aires, después de cuatro años, tuvo como premisa inicial presentar Chucho's Steps, álbum publicado en 2010, junto a The Afro-Cuban Messengers, cuyo nombre consiste en un homenaje a the Jazz Messengers, la agrupación liderada por el baterista Art Blakey, precursora del estilo hard-bop.
Misa negra, un tema de la época de Irakere, presentado en una nueva versión, a modo de standard, sirvió para introducir a los miembros de la banda. A continuación, se sucedieron: Danzón, en referencia al popular ritmo cubano, destacándose el aporte de Carlos Miyares Hernández en saxo tenor y del propio Chucho, tocando un muy buen solo; Zawinul's Mambo (Mambo de Zawinul), dedicado al tecladista Joe Zawinul, cita de Birdland incluida; Begin to Be Good, una combinación de Begin the Beguine (Cole Porter) y Lady Be Good (George Gershwin), este último uno de los autores más versionados por el maestro cubano, donde luce el trompetista Reynaldo Melián Álvarez; Yansá recibe su nombre de la diosa de las tempestades, comprende cantos yorubas en la voz de Dreiser Durruthy Bombalé, acompañándose de los tambores batá, esenciales en el contexto grupal; Chucho's Steps (Los pasos de Chucho), obvia alusión al antológico Giant Steps (John Coltrane); dos temas en los que participa la cantante Mayra Caridad Valdés, hermana de Chucho: el bolero Alma mía (María Greever) y Obatalá; Ponle la clave tiene otro notable solo de piano, inspirado en J. S. Bach, y uno consumado del saxofonista, citando a El cumbanchero (Rafael Hernández); una pieza fuera de programa influida por el compositor Rimsky-Korsakov, de nombre Blues; Changó permite el lucimiento, una vez más, de Durruthy Bombalé con sus cantos rituales a los orishás, y en un intercambio de llamado y respuesta a cargo de sus compañeros en el ensamble; mientras que el bis consistió en una rumba donde tuvo una extensa contribución en solitario el conguero Yaroldy Abreu Robles.

El hombre que podía recordar sus vidas pasadas (Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, 2010), de Apichatpong Weerasethakul

Una película nos permite viajar a lugares distantes, experimentar modos de vida diferentes del nuestro, transformando la forma que tenemos de percibir las cosas, modificando el modo de ver el mundo que heredamos de nuestros antepasados, cambiando muchas de nuestras costumbres, abriéndonos al prójimo.
El cine del tailandés Apichatpong Weerasethakul es sensorial, intangible, inconcreto, incorpóreo.
Su esencia es esquiva, elusiva, indefinible.
El hombre que podía recordar sus vidas pasadas está basado en un libro budista, y contiene elementos mágicos, fantásticos, imaginarios.
En la secuencia inicial, un buey se interna en la jungla. Una selva que parece dotada de vida. Más tarde, sabremos que está habitada por ánimas, criaturas de espeso pelo y ojos rojos.
El tío Boonmee puede presentir la llegada de la muerte. Sufre una insuficiencia renal severa y debe someterse a sesiones diarias de diálisis.
En la granja donde cultiva tamarindos y cosecha miel de abejas, recibe la visita de su cuñada Jen y un sobrino de ella. Durante una cena, son sorprendidos por la presencia del fantasma de la mujer del tío Boonmee, fallecida diecinueve años atrás, y del hijo de ambos, desaparecido unos años después, convertido en uno de esos seres que viven en la jungla llamados "monos fantasmas", hecho aceptado por todos con total naturalidad.

Wayne Shorter Quartet - Teatro Gran Rex, 9 de junio de 2011

El mítico saxofonista y compositor Wayne Shorter regresó a Buenos Aires luego de seis años, con la misma formación, a excepción del baterista Brian Blade, reemplazado por el local Oscar Giunta (Terri Lyne Carrington no pudo ser de la partida por problemas con su vuelo).
En oportunidad de su visita anterior (26 de octubre de 2005), una vez concluido el concierto, las opiniones acerca del mérito de lo escuchado eran completamente contradictorias.
La música del cuarteto resulta de indudable interés en mayor medida por lo que pretende crear que por lo que produce efectivamente.
La propuesta, a diferencia de lo hecho por Shorter durante su entera carrera, en la que ni siquiera en sus álbumes más osados, tales como All The Seeing Eye (1965) y Schizophrenia (1967), en los que utiliza ensambles más numerosos, añadiendo timbres y color, e incorporando una impronta vanguardista que mixtura con el jazz modal predominante en sus discos anteriores para el sello Blue Note, se aparta de una estructura clásica, convencional, que puede ser resumida como: presentación del tema-solos-regreso a la línea melódica principal.

La Meute (2010), de Franck Richard

En la década pasada, el cine de terror francés consiguió cobrar notoriedad, a partir del éxito de películas como Haute Tension (2003) y À l'intérieur (2007). La Meute (La manada) es una combinación de dicho género, el cine fantástico y el gore.
El filme comienza con un auto circulando por un camino desierto cubierto de niebla, conducido (hasta escuchar todos sus cds de heavy-metal) por una joven de nombre Charlotte (Émilie Dequenne), que acepta como pasajero a un joven llamado Max (el cantante pop Benjamin Biolay, bastante parecido a su colega Nick Cave), que estaba ocupado en "hacer dedo" (autostop) a la vera de la carretera. Mientras Charlotte duerme, Max guía el vehículo hasta un bar en el medio de la nada llamado La Spack. Después de un incidente con un grupo de motoqueros que quieren abusarlos y de ser echados por la propietaria (Yolande Moreau), Max se dirige al baño y desaparece. Charlotte decide averiguar que ocurrió con su nuevo amigo y es secuestrada por la mujer, que resulta ser la madre del muchacho.

Monte Hermoso 3 - Pinches vacaciones

Las vacaciones de niño o adolescente, impregnadas por esa transitoria sensación de eternidad, es ese momento único en nuestras vidas, en el que todo puede ocurrir.
Esa sensación se modifica cuando uno es un adulto.
La playa, espacio abierto de arena, mar y cielo infinitos, tiene un enorme poder de sugerencia.
Por la noche, el ruido de bares, restaurantes, negocios de juegos electrónicos, impregnan el aire tórrido y nos envuelve.
Cuando crecemos, la postal es la misma, pero nada se percibe del mismo modo. Ya no hay eternidad posible.
Lo que ayer era un lugar que personificaba lo deseado, pura promesa (subyugante por la convicción de su realización), hoy es un escenario ordenado minuciosamente, como la escenografía de una obra de teatro, y está incorporado a la rutina. Se pierde la capacidad de abstraerse de lo cotidiano y la confianza en que lo anhelado suceda.

Monte Hermoso 2 - La chica imposible

Estaba sentado en la playa escuchando en un reproductor de mp3 un disco llamado The Observer, perteneciente al saxofonista Jon Irabagon, cuando advertí su presencia.
Era la chica imposible.
Una adolescente de figura perfecta, no muy alta, de pelo rubio que llevaba atado en una cola, y rasgos generosamente agraciados, que se iluminaban en una sonrisa dirigida solo a aquellos privilegiados llamados a formar parte de su universo exclusivo.
Llevaba puesto un vestido de color rosa pálido que combinaba con su cuidado bronceado y parecía diseñado para ella.
Tomaba sol junto a una muchacha y un muchacho, ineludiblemente bonitos ellos.
¿Sería su novio?, ¿estaría consciente de su posición única?, ¿aprovecharía su oportunidad? Debería apurarse. No tendrá otra chance.
Unos momentos más tarde, se acercó a saludarla otro muchacho un poco mayor que ella luciendo el resultado de la puntual asistencia al gimnasio durante el año, de esos que se desplazan por la playa como si fuese su medio ambiente natural.

Monte Hermoso, Buenos Aires, Argentina - Verano '11

Desde La Plata, las empresas Plusmar y El Cóndor te llevan a Monte Hermoso (El Cóndor tiene una única salida todos los días a las 23:20). Las unidades son coches semi-cama, y el precio es $209; estudiantes y jubilados tienen un 20% de descuento, abonando $167.20. No es directo, sino que incluye paradas en Azul (a las 3:20), Chávez, Tres Arroyos, Dorrego, arribando a Monte Hermoso a las 8:45.
Luego, continúa hacia Bahía Blanca.
De regreso, la única partida semanal desde Monte Hermoso es a las 22:50, pasa por Tres Arroyos (0:50), Adolfo González Chávez (1:30), Juárez, Azul (4:00), y llega a La Plata a las 9:00.
Monte Hermoso es una ciudad pequeña, con edificios de departamentos próximos a la playa, y dos peatonales: Dorrego y Dufaur, escenario de los habituales paseos al caer el sol.

Harris Eisenstadt - Woodblock Prints (No Bussiness, 2010)

Uno de los discos más destacados de 2010, publicado por el sello lituano No Bussiness en una edición en vinilo limitada a 300 copias, es Woodblock Prints, firmado por el baterista y compositor canadiense Harris Eisenstadt.
El nombre del álbum es una refierencia al ukiyo-e ("pinturas del mundo flotante"), un género de grabados realizados mediante xilografía, y producidos en Japón entre los siglos XVII y XX.
Era una forma de arte popular cuyo tema original fue la vida de la ciudad, en particular actividades y escenas de lugares de esparcimiento.
Eisenstadt dedica composiciones a sus destacados cultores: Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige y Hasui Kawase.
La música interpretada por un noneto que incluye un sexteto de vientos (clarinete, saxo alto, fagot, trombón, tuba y corno francés), guitarra, contrabajo y batería; recorre paisajes cautivantes, intensos, sin abandonar aires camarísticos (The Floating World, Hokusai).

Somewhere (2010), de Sofia Coppola

La insoportable levedad del ser (de las estrellas de Hollywood). La escena inicial de Somewhere (En algún lugar) muestra al personaje de Johnny Marco (Stephen Dorff), un exitoso actor, subido a una Ferrari, girando en una pista de carreras, y continúa retratando el vacío de su vida, que transcurre en impersonales hoteles de lujo (el Chateau Marmont, en Los Angeles, es el escenario elegido), entre fiestas, alcohol y chicas que se le insinúan a cada paso, solo interrumpido por obligaciones tales como una conferencia de prensa o una sesión de maquillaje, dejando paso al aburrimiento y la soledad.
Todo cambia cuando una ex-pareja encarga a la estrella el cuidado de Cleo (Elle Fanning), la hija de ambos, y única relación auténtica, puesto que del resto solamente conserva mensajes de texto poco amigables de amantes despechadas, recibidos en forma inexpresiva. El tiempo que pasa junto a ella tiene un impacto tan profundo que lo impulsa a modificar su vida.
Sofia Coppola reproduce en su cuarta película su estilo moroso, lánguido, naïf, de sutil sentido del humor y don para los mínimos detalles, pero aquí su acostumbrada austeridad, su afición al minimalismo, tiene por resultado demasiados tiempos muertos.

Enter The Void (2009), de Gaspar Noé

Solo contra todos (1998) es mucho más revulsiva y perturbadora que la provocadora Irreversible (2002), que ganó notoriedad a partir de una escena en la cual el personaje de Monica Belluci es violado durante nueve minutos, y toda cuya audacia consistía en que era contada hacia atrás.
Psicodélica, hipnótica, lisérgica, Enter The Void (Caer al vacío), última película del director argentino Gaspar Noé, tiene a la ciudad de Tokyo, con todo su neón, como escenario, y es narrada desde el punto de vista del protagonista, quien aparece de espaldas durante la mayor parte de las secuencias para acentuar esta idea.
Oscar (Nathaniel Brown) es un traficante que en su infancia hizo un pacto de no abandono con su hermana Linda (Paz de la Huerta, generosamente desnuda en la casi totalidad de sus apariciones en pantalla), devenida en bailarina exótica. Cuando es asesinado por la policía, su espíritu vaga por la ciudad siguiendo los pasos de Linda con el objeto de velar por su seguridad.

Los bastardos (2008), de Amat Escalante

A sangre fría. El nombre de la célebre novela de Truman Capote es útil para describir una película cruda, que se hace deliberadamente lenta para subrayar la irrupción de la violencia como un estallido, sin razón, sin explicación, incontenible.
La acción se desarrolla durante un día en la vida de dos jóvenes mexicanos inmigrantes ilegales en Los Angeles, siguiendo una jornada de trabajo precario hasta el anochecer, cuando irrumpen en una casa de clase media, escena que establece un vínculo entre Los bastardos y Funny Games, de Michael Haneke.
En su primera parte, los personajes recuerdan a los resignados, expulsados del sistema, propios de la filmografía de Bruno Dumont.
Crítica a las duras condiciones sociales en que se hallan inmersos los pobres inmigrantes indocumentados en Estados Unidos, y al modo de vida burgués ejemplificado en una familia que incluye un padre ausente y una madre con dificultades para comunicarse con un hijo adolescente, que reprueba el uso de drogas por el joven, estimulantes que ella misma consume para soportar su propio tedio.